The rise of visual culture and the role of images in shaping contemporary thought and global society has been a constant since the end of the last century. Called “Iconic turn” in the field of philosophy of perception and image theory, this process has captured increasing attention in diverse academic fields, even in disciplines such as architecture where the role of images has not always been well considered. There is no doubt, however, that the visual nature of architecture makes the image essential in its conception, representation or perception. Within this relationship between architecture and image can be noted a recent change: a progressive attention toward realism as an alternative to an arbitrariness of form whose main consequence has been an uncritical use of images by architects and their consumption by society. The visual nature of some of the most influential works of the British architects Sergison Bates and Tony Fretton are exemplary for this purpose, aware of the importance of images in the shaping of everyday life and in the architectural narratives of the real. These works, in turn, allow us to explore the reciprocal strengthening that this realism as an attitude in being (architecture) and in looking (photography) has for an architectural practice that feeds on images and engenders them.

La relevancia del museo como agente de los cambios sociales, culturales y urbanos en la ciudad europea no ha hecho más que incrementarse durante las últimas décadas. Frente al museo tradicional, algunos de los nuevos centros han afrontado las demandas promovidas por artistas, arquitectos, comisarios y público manifestando los cambios en los procesos de creación, difusión y recepción del arte. El objetivo del artículo es abordar estos cambios mediante el análisis de tres casos paradigmáticos en la última década en Europa: Palais de Tokyo en París, Fondazione Prada en Milán, y más recientemente KANAL-Centre Pompidou en Bruselas. En los tres casos se añade la reconversión de un patrimonio industrial previo en emergentes centros para la cultura contemporánea ejemplificado un interés por actualizar la infraestructura de la modernidad. También la importancia de la institución cultural como impulsora del proyecto urbano en la ciudad europea y como inversión de lo público en el marco de la globalización actual.

Las transformaciones sociales y culturales que estamos viviendo han impulsado nuevas ideas en la producción de la arquitectura y en sus sistemas de representación. Dentro de estos sistemas, el diagrama se ha convertido en herramienta esencial para la concepción arquitectónica de algunos de los estudios más influyentes. Es el caso de OMA, SANAA, Tschumi y Eisenman. El objetivo del artículo es estudiar el uso del diagrama por parte de estos estudios al cristalizarse como un medio esencial en la ideación y la representación de su arquitectura. En el caso de OMA, observamos cómo el diagrama sirve para la elaboración de los programas que caracterizan muchas de sus arquitecturas; en SANAA se produce una relación entre el diagrama y la resolución espacial, habiéndose interpretado su arquitectura como diagramática; o en los casos de Tschumi (The Manhattan Transcripts; Notations. Diagrams & Sequences) y Eisenman (Diagram Diaries; Feints) se concibe como base teórica y desarrollo formal de su arquitectura. Por otro lado, la comparación de los diagramas seleccionados como metodología, además de mostrar una relación entre ellos, también establece una serie de categorías para repensar este sistema de representación y estrategia gráfica en el marco de la arquitectura contemporánea.

La Cité Spinoza proyectada por Renée Gailhoustet en Ivry-sur-Seine (1969-1972) supone una revisión de la utopía del habitar colectivo de la modernidad desde el pragmatismo en el uso del hormigón armado; tanto in situ como prefabricado. El objetivo del artículo es exponer cómo su hibridación programática responde al impulso por la cohesión social y a la reformulación del “cómo vivir juntos”; consigna a la que aspiraba Gailhoustet implicada con el movimiento cultural de Mayo del 68. La solución tipológica de bloque lineal en forma de T que alberga 79 dúplex comportaba una revisión del bloque moderno que liberaba la planta baja como lugar social para introducir la naturaleza en la vida colectiva del conjunto. La obra ofrece una relectura de las comunas soviéticas y sus aspiraciones utópicas cuya influencia procedía de la publicación Ville et Revolution (1967) de Anatole Kopp. Destaca el uso del hormigón armado tanto por sus cualidades expresivas como por su entendimiento desde las aspiraciones técnicas de una renovada sociedad. Como conclusión cabe señalar que la obra, junto a otras del mismo período, ofrece un aprendizaje sobre la hibridación y la reprogramación de la vivienda, desde una tectónica en torno al hormigón que aportaba vías tipológicas y constructivas para futuros habitares colectivos.

El sistema espacial compartido por la Villa Buggenhout de OFFICE KGDVS (2007-10) y la Casa de piedra en Cáceres de Tuñón y Albornoz (2015-18) permite reflexionar sobre la relación entre el contexto paisajístico y la abstracción de los trazados en las formas de habitar contemporáneas. Desde una metodología de análisis comparado, el artículo tiene como objetivo exponer una serie de temas compartidos por ambas casas en torno al habitar: el entendimiento del lugar como diálogo entre paisaje y sistema construido; la planta como resultado de un proceso de abstracción geométrica y referencial, actualizando el “problema de los nueve cuadrados” de Hejduk; el lenguaje arquitectónico como síntesis entre espacio y estructura; y una activación perceptiva desde los mecanismos visuales y materiales o la integración de la naturaleza en el medio arquitectónico. En este caso, como Tuñón y Albornoz señalan, revelando una arquitectura como “mestizaje entre lo artificial y lo natural”.