L’intento di questo articolo è quello di analizzare il significato ideologico e la funzione propagandistica delle principali caratteristiche iconografiche dei ritratti ufficiali dell’imperatore Federico II di Svevia in affreschi, sculture, monete e sigilli. Prima di tutto, per fare questo, si sono dovuti individuare gli aspetti fondamentali della suddetta iconografia relativa a Federico II. Dopo questo, il passo successivo è stato quello di provare a delineare quale messaggio politico si voleva propagandare attraverso di essi: un’idea, cioè, di legittimità e sacralità fondato sulla “renovatio” dell’Antico Impero Romano e sul valore sacro delle leggi. Un messaggio, quindi, alternativo a quello che era basato sul rito dell’incoronazione sostenuto dal papato.

La critica storiografica ha spesso visto, forse un po’ troppo entusiasticamente, la rappresentazione dell’imperatore Federico II di Svevia in una cospicua serie di manufatti artistici. Passando in rassegna presunte e reali raffigurazioni dello Svevo nella sfragistica, nella numismatica, nella glittica, nell’oreficeria, nella scultura, nella pittura e nella miniatura, in questo saggio si fa lo Status quaestionis sulla ritrattistica fridericiana cercando di delineare quali furono le immagini prodotte all’interno della sua corte e su sua stessa iniziativa, in altre parole le sue raffigurazioni ufficiali. Giungeremo così, dopo un percorso ad esclusione che lascerà ben pochi superstiti, a rintracciare quei ritratti che lo Stupor mundi volle dare di sé e che ancora oggi sono conservati.

In recent decades, art historians have stressed the benefits of analysing medieval images and their contents within their specific context and, in particular, have underlined the importance of their visual impact on contemporary beholders to determine their functions and specific meanings. In other words, in the analysis of a medieval image, it has become fundamental to verify where it was collocated and whom it was aimed at, and which practical reasons it was made for (its visibility, fruition, and usability). As a result, new perspectives have been opened, creating an active historiographical debate about one of the most fascinating and studied iconographic themes of the Middle Ages: the royal divine coronation. Hence, there has been a complete rethinking of the function and meaning of this iconographic theme. For instance, the divine coronation of the king might not symbolically allude to his earthly power but to the devotional hope of receiving the crown of eternal life in the afterworld. Moreover, in the specific case of some Ottonian and Salian illuminations, historiographers have proposed that their function was not only celebrative (a manifesto of the political ideologies that legitimized power), but also liturgical and religious. This paper places this topic in a historiographical framework and provides some preliminary methodological considerations in order to stimulate new research.

La sociologia e la storiografia hanno sottolineato l’importanza politica della visibilità del corpo del leader all’interno della società. In tal senso, è stato evidenziato come in alcuni casi re e imperatori abbiano presentato sé stessi in una maniera iconica, ovvero imitando delle raffigurazioni e, in particolare, delle sculture di divinità. Questo articolo intende verificare se i re normanno-svevi di Sicilia (1130-1266) fecero uso di un tal genere di messa in scena del loro corpo. Nello specifico, esso analizza i contesti architettonici, i simboli del potere e i cerimoniali di corte facendo interagire tra di loro le fonti scritte e quelle materiali.

This is the text of the presentation “Charles V and the Fury at the Prado Museum: The Power of the King’s Body as Image” at the International Conference “El poder del la imagen en el Museo del Prado” (Madrid, December 12th-13th, 2017). By analysing the bronze sculpture Charles V and the Fury (Leone and Pompeo Leoni, 1549-1564. Prado Museum, Madrid), this paper aims to underline the necessity to study royal images in their context (with particular attention to their visibility) to understand better their social use and function. This type of methodological approach can be without any doubt very useful for the historiography in the overall analysis of the leader’s portrait and can stimulate new researches for the future and reformulate some of the traditional conceptions on this topic.

This paper aims to analyse the iconographic meaning of the renowned Simone Martini's altarpiece 'Saint Louis of Toulouse crowns king Robert of Anjou' (1317-1319), currently preserved in the Museo di Capodimonte in Naples. Historiography has generally interpreted its main scene as a representation of Louis's abdication to the royal title and the consequent Robert's coronation as King of Naples. In particular, this artifact has been considered the result of a real political communication strategy staged by the King of Naples in order to legitimize his disputed succession to the throne. Conversely, following an interpretation that frames the altarpiece in its context of use and fruition and puts emphasis on its specific function, this text proposes to interpret the meaning of this artwork in connection with the role of intercessor with God in favor of the souls of the members of the Angevin house attributed to Saint Louis. In this direction, it represents, in a purely religious meaning, Robert of Anjou dead while he is receiving the crown of the Eternal Life in the Kingdom of Heaven.